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JUKEBOX : RM se dévoile à fleur de peau dans Right Place, Wrong Person

Actuellement en plein service militaire, le leader de BTS sort malgré cela son 2ème album studio, pour le plus grand plaisir de ses fans. Nous revenons sur Right Place, Wrong Person, un album qui nous emmène dans un voyage initiatique entre le bien et le mal.

Après ses mixtapes RM et Mono, sorties en 2015 et 2018, puis son premier album studio Indigo, que l’on découvrait en 2022, le musicien de 29 ans est revenu ce vendredi 24 mai avec Right Place, Wrong Person. Il continue dans ce 2ème album de 11 chansons à évoquer ses expériences de vie et la quête qui traverse toute sa discographie : celle de lui-même.

Le thème principal de cet album ? L’errance entre le bien et le mal, le bon et le mauvais, le vrai et le faux. Exprimée dès le titre composé des mots “right” et “wrong”, cette idée revient tout au long de l’album, dans lequel RM s’interroge sur ces notions, ainsi que sur le fait de réussir à être la personne que l’on est ou veut être, entourée des bonnes personnes, au bon endroit.

Cette errance, c’est bien entendu la sienne, et l’artiste ne s’en cache pas : dans une vidéo promotionnelle tournée avec Jimin, autre membre de BTS, ce dernier demande à RM ce que le titre “Right Place, Wrong Person” signifie. Le rappeur répond “Quelqu’un comme moi”, avant d’expliquer qu’il a régulièrement l’impression d’être “la mauvaise personne”, ne se sentant pas à sa place alors que tout le monde autour de lui semble aller bien. En explorant avec vulnérabilité et profondeur ce sentiment universel, RM reste fidèle à ce qui a toujours été au centre de son art, en solo comme au sein de BTS : utiliser ses expériences personnelles pour créer du lien.

Right Place, Wrong Person nous emmène donc dans un voyage initiatique au cœur de la célébrité délirante de BTS, mais aussi des questionnements plus “normaux” d’un jeune homme qui se cherche à l’orée de ses 30 ans. C’est finalement un Kim Namjoon plus vulnérable que jamais que l’on découvre dans cet album.

Une première partie aux airs de descente aux enfers

L’album s’ouvre sur “Right People, Wrong Place”, un morceau aux sonorités électro qui nous donnerait presque l’impression d’être dans un film futuriste. Pas d’aventure cependant dans cette chanson dont le titre fait directement référence à celui de l’album : tout relève plutôt de la confusion, peut-être celle que l’on éprouverait sur une planète inconnue. Les mots “right” et “wrong” mais aussi “place” et “people” sont répétés à l’infini dans toutes les variations possibles (“les mauvaises personnes au mauvais endroit, les bonnes personnes au bon endroit, les bonnes personnes au mauvais endroit”, etc). La piste instrumentale, obsédante, amplifie ce sentiment de chaos et d’égarement, et nous plonge directement dans l’atmosphère sombre de cet album.

On découvre ensuite “Nuts”, une chanson de hip-hop alternatif à l’instrumentale surprenante, avec une basse distordue et la présence de guitares électriques sur le bridge. Sur ce morceau à propos d’une relation amoureuse qui s’est vraisemblablement mal terminée, on retrouve un RM plein de cynisme. Le son récurrent en fond provoque, comme dans le premier morceau, une sensation obsédante, à l’image de pensées qui tournent en boucle. C’est l’idée de cette chanson, dont le titre renvoie certainement à l’expression “going nuts”, utilisée par RM dans les paroles et qui signifie “devenir fou”. On le voit ainsi alterner entre un refrain et un bridge dans lesquels il semble vouloir récupérer son amour perdu, et des couplets où il s’exprime sur les difficultés et les souffrances liées à cette relation. Dans le dernier couplet, la chanson s’assombrit encore, et on devine non seulement l’incapacité de RM à faire la paix avec cette relation passée, mais aussi la colère qui s’ensuit.

L’album enchaîne directement avec “out of love”, dont l’instrumentale se confond avec la fin de “Nuts”, à tel point qu’on a, à la première écoute, du mal à voir où finit la première chanson et où commence la seconde. Cela s’explique par le fait que ce morceau est dans le prolongement direct du début de l’album : on y retrouve le cynisme, la colère et les intonations froides d’un RM complètement désabusé, qui ne croit plus en rien et certainement pas en l’amour. Toujours dans un style hip-hop alternatif, cette chanson poursuit la descente aux enfers de son interprète, qui évoque l’envie de “tout brûler”, y compris “le monde dans lequel il a vécu toute sa vie”. Un morceau sombre, donc, qui clôture l’enchaînement des trois premiers morceaux où RM expose toute sa souffrance, sa confusion et sa rage.

Une seconde partie d’album plus dansante

Right Place, Wrong Person se poursuit avec “Domodachi”, une collaboration avec la rappeuse britannique Little Simz, notamment connue pour sa chanson “Venom”. Sa présence sur ce morceau de hip-hop, au titre dérivé du japonais “tomodachi” qui signifie “ami”, est d’autant plus intéressante que la rappeuse est née comme RM en 1994, leur permettant au regard des traditions coréennes sur l’âge de se considérer comme des amis, quand quelqu’un de plus jeune ou de plus âgé ne pourrait utiliser ce qualificatif (le mot coréen 친구, chingu, qui signifie ami, ne peut en effet s’utiliser qu’entre personnes nées la même année). Ce titre est plus énergique que les précédents, avec des percussions qui donnent envie de bouger et de danser. Un choix pertinent pour une chanson qui invite justement à danser entre amis, peut-être pour oublier les difficultés évoqués lors des morceaux précédents. Sans en faire un titre joyeux à proprement parler, la présence de Little Simz apporte à ce titre une énergie et une fraîcheur qui tranche avec l’atmosphère sombre du début de l’album.

Le morceau “? (Interlude)” est un basculement vers la seconde moitié de cet opus, dans laquelle RM se décharge d’un peu de la colère des premières chansons. Ici, le chanteur délaisse le hip-hop pour un morceau de jazz funk produit notamment par DOMi & JD Beck, un duo franco-américain de musiciens décrit par France Inter comme “le nouveau phénomène du jazz mondial”. Ici, il semble que RM évoque à nouveau son histoire d’amour passée, naviguant une fois de plus entre l’envie d’oublier et de souvenir. L’évocation de ce dilemme s’intègre au thème général de l’album, cette confusion des émotions et cette difficulté à savoir ce qui est bon pour lui. Le morceau met d’ailleurs en avant cette confusion avec un tempo original et une signature rythmique changeante, et des dissonances dans les accords choisis.

Après cet interlude, on enchaîne sur “Groin”, un morceau bien plus dynamique qui sort de la noirceur des accords mineurs des autres chansons. Ici, RM s’autorise à exprimer ce qu’il a longtemps tu, notamment ses difficultés liées au poids que représente le rôle de leader de BTS. Il évoque la pression de devoir être irréprochable, de représenter quelque chose de plus grand que lui, ce que l’on ne peut que comprendre quand on connaît le succès de son groupe, scruté par les médias et dont les membres ont été amenés à représenter leur pays à plusieurs grandes occasions. Dans “Groin”, on retrouve avec joie un RM à la plume acérée, que l’on avait déjà pu croiser dans les “Cypher” de BTS ou sur d’autres morceaux. Sur un titre de hip-hop aux sonorités plus old school, le rappeur fait preuve d’une grande franchise, jouissive à (re)découvrir après les derniers titres plus consensuels de BTS comme “Dynamite” ou “Permission to Dance”. Au-delà de ce franc-parler, RM réaffirme dans ce morceau la quête qui est la sienne et le choix qui le guide depuis toujours : être lui-même.

Dans le morceau indie rock “Heaven”, c’est une forme d’apaisement mélancolique que nous offre l’artiste. Sur le thème d’une relation toxique avec une personne lui volant son “paradis” (que l’on peut interpréter comme la paix intérieure ou le bonheur), cette chanson plus mélodieuse, avec des paroles chantées et non rappées, dépeint un interprète qui accepte ce “vol” de son “paradis”, autrement dit la douleur causée par cette relation. Dans un bridge aux douces notes de guitare, RM semble se libérer de la colère et de la confusion engendrée par cette relation, acceptant pour le meilleur ou pour le pire ce qui lui est arrivé.

On parvient ensuite à “LOST!”, la title track de cet album. Dans ce morceau de pop alternative, on retrouve l’incertitude et le sentiment d’égarement déjà évoqués par RM. En revanche, pas de mélancolie ici, mais une mélodie et des chœurs dynamiques, comme si cette impression d’être perdu pouvait être une opportunité et une façon d’être plus libre, thème par ailleurs directement évoqué dans des paroles presque opposées (“Je suis putain de perdu”, puis, deux vers plus tard, “Je ne me suis jamais senti aussi libre”). La rapidité du tempo accentue l’impression de courir dans tous les sens, cherchant qui l’on est, alternant entre mille possibilités, mille scénarios différents. Dans la même veine, RM joue dans un clip évocateur plusieurs rôles à la fois, illustrant sa difficulté à savoir qui il est vraiment.

Fin de l’album : l’acceptation comme clé de la guérison

Dans “Around the world in a day”, un titre en collaboration avec le chanteur américain Moses Sumney, RM revient à la dichotomie “right/wrong” centrale de cet album. Dans un style soul et R&B alternatif, ce morceau est l’un de nos coups de cœur et représente un tournant dans l’album, étant l’un des seuls titres où l’on retrouve véritablement de l’espoir. Cette chanson, grâce à la beauté de la voix de Moses Sumney, la douceur des notes de guitare et des choeurs superbes, nous invite à quitter le désespoir du début de l’album et à accepter la confusion en prenant conscience d’une chose : seul le temps pourra dire ce qui est bon ou mauvais. Dans la seconde partie du morceau, plus rock, RM reprend dans un couplet de rap plus rythmé le contrôle de sa vie, à l’inverse de la passivité et de l’impuissance du début de l’album. Il fait à nouveau le choix d’être lui-même, peu importe les conséquences, en affirmant “Je vais continuer à rouler jusqu’à ce que l’amour et la haine n’aient plus d’importance”, ou encore “Je m’aime brisé”. Des thèmes centraux dans toute sa discographie, mais qu’il réaffirme constamment, comme pour mieux s’en convaincre et se rappeler de ces principes cardinaux.

Alors que l’album touche à sa fin, RM nous propose “ㅠㅠ (Credit Roll)”, une courte outro d’à peine plus d’une minute qui semble clôturer cet opus. Dans ce titre au nom évocateur (“générique de fin”, accompagné d’un emoji qui pleure), l’artiste remercie ses auditeurs mais pose aussi la question du “Et maintenant ?”. En demandant à ceux qui l’écoute s’ils restent sur place quand le générique de fin défile ou s’ils retournent à leur vie, RM pose sans doute la question du soutien de ses fans, alors qu’il s’apprête à l’époque où il termine cet album à entamer son service militaire. Avant-dernier d’un album qui s’écoute comme une histoire emplie de montagnes russes et d’émotions à fleur de peau, ce morceau annonce plus largement une fin en demi-teinte, et l’interprète semble se demander ce qu’il va se passer maintenant qu’il a fait tout ce chemin et que l’histoire se termine.

Enfin, la chanson “Come back to me” clôture avec beaucoup de douceur cet album plein de tourmente et de questionnements. Bien qu’étant la dernière chanson, c’est la première à avoir été rendue publique : RM l’avait en effet performée en live le 6 août 2023, lors du dernier concert de la tournée D-Day de son camarade de BTS Agust D. Le titre est ensuite sorti le 10 mai 2024 comme pre-release single, 2 semaines avant la sortie officielle de l’album. Dans une vidéo promotionnelle, RM explique que tout l’album revient à ce morceau de pop indie, qui contient en lui tous les questionnements de l’artiste. Le titre, “Come back to me”, que l’on peut traduire par “Reviens moi”, peut faire référence à quelqu’un d’autre, mais il semble surtout parler de RM lui-même, qui cherche à se retrouver après la longue période d’errance racontée dans cet album. On y retrouve le thème de la quête de soi, mais dans une atmosphère plus apaisée, accentuée par le sifflement que l’on entend tout au long de la chanson. RM semble accepter ses difficultés et leur caractère cyclique, expliquant dans la vidéo promotionnelle mentionnée précédemment que “lorsqu’on est perdu, on veut trouver la stabilité, et lorsqu’on a la stabilité, on voudrait errer à nouveau”. Accompagné d’un clip dans lequel RM vit plusieurs vies, ce morceau semble être pour l’artiste le symbole de l’acceptation de ses multiples facettes.

En conclusion

Avec ses 11 titres, c’est donc un vrai voyage dans la vulnérabilité de RM que nous propose Right Place, Wrong Person. Fruit de la pause entamée par BTS pour effectuer leur service militaire, cet album qui a failli ne pas exister (puisqu’il était à l’origine prévu que RM commence son service militaire en même temps que son camarade J-Hope, en avril 2023) nous montre un artiste en pleine transformation, après une carrière de plus de 10 ans dont personne n’aurait pu prévoir l’immense succès.

En revenant avec un album aux sonorités alternatives, s’éloignant ainsi du style de rap et de hip-hop de ses débuts, RM prend le risque de ne pas contenter l’ensemble de ses fans. Cependant, s’il s’éloigne de son propre style d’origine, il s’inscrit parfaitement dans l’évolution actuelle de ces genres musicaux, et dans la lignée d’artistes hip-hop comme Tyler The Creator ou Gorillaz, qui ont su mélanger les genres musicaux au fil des albums. Si cette nouvelle direction artistique peut surprendre les fans à la première écoute, une attention un peu accrue permet vite de découvrir les trésors contenus dans cet opus. On peut aussi saluer la capacité de RM à se renouveler tout en restant fidèle à ce qui est au cœur de sa discographie, faisant de lui un artiste complet et toujours intéressant.

Il faut noter que cette plongée au cœur des émotions de l’artiste, entre la douleur du chagrin d’amour, la pression d’une célébrité mondiale et la difficulté de se trouver en tant que jeune adulte, est rendue possible et appréciable par la qualité de la plume de RM, dont les capacités d’écriture ne sont plus à prouver. Au-delà des sonorités nouvelles et des artistes de talent dont il a su s’entourer, c’est bien les paroles de cet album qui font sa force. Les instruments, mélodies et chœurs (dont on note la qualité et la force) subliment ces écrits et ne font qu’amplifier avec brio les émotions de RM.

Avec ce second album, c’est donc un RM écorché vif que nous découvrons. Opus bien construit, avec un enchaînement de chansons qui progresse de manière pertinente pour nous raconter une année d’errance, Right Place, Wrong Person nous apparaît comme un succès artistique, dont on découvrira vite s’il est aussi un succès commercial. A présent que l’artiste a exploré de nouveaux horizons en solo, nous sommes curieux de savoir ce qu’il proposera en groupe au retour de BTS au complet, prévu pour 2025.

31 mai 2024
JUKEBOX : Memorabilia, la clé de l’univers d’Enhypen

Cela fait déjà sept mois que nous vous avons abordé le sujet d’Orange Blood, le précédent album d’Enhypen qui a marqué les Engenes pour l’amélioration des capacités vocales de ses membres. Le 13 mai dernier, le groupe a sorti son nouvel album, Memorabilia, compagnon de leur très apprécié webtoon Dark Moon, que nous décortiquons aujourd’hui pour vous !

Memorabilia, l’album qui relie les webtoons Dark Moon à Enhypen

Les vampires : des êtres dotés de puissance, possédant un goût prononcé pour le sang. Mêlant le réalisme à un soupçon de surnaturel, on y retrouve Enhypen, groupe célèbre pour leur concept envoûtant.

Pour rendre leur univers encore plus complet et appuyer sur leur concept vampirique, Enhypen a décidé de créer un album spécial pour tous les fans de leur histoire originale. Memorabilia n’est autre que le compagnon de Dark Moon, la série de webtoon au 180 millions de vues, traçant le récit d’Enhypen. Cet album de six titres explore différents thèmes, tels que « l’amour prédestiné » ou encore la « crise existentielle en tant que vampire », résonant à la fois pour le groupe, comme pour l’histoire développée dans le webtoon.

Enhypen et HYBE donnent vie aux personnages et objets du webtoon grâce aux versions de l’EP. La première version, nommée « Moon » est un coffret avec les souvenirs des protagonistes de Dark Moon, intitulé « Les Gâteaux de Goût ». On l’a aperçue dans le Webtoon Children of Vamfield. La version « Vargr » quant à elle, se présente sous la forme d’une « bible » illustrée.

Mais de quoi parle Dark Moon ?

Mélangeant magie, mystère et destin, on y retrouve nos sept garçons à la recherche de leur véritable identité, grâce à l’aide de leur amie, Sooha, l’héroïne de l’histoire.

« Bienvenue à Riverfield, où les garçons les plus populaires de deux écoles rivales sont des vampires et des loups-garous. Lorsqu’une mystérieuse nouvelle étudiante, Sooha, est transférée à Riverfield, les rivaux se retrouvent inexplicablement attirés par elle. Alors que d’horribles incidents commencent à secouer la ville, le passé oublié des garçons commence lentement à se démêler… et leur monde tourne à l’envers. »

Dark Moon : The Blood Altar est le premier webtoon de cette série, mais l’album Memorabilia évoque notamment le webtoon Children of Vamfield, le prequel du premier, qui raconte l’enfance des garçons dans l’orphelinat Vamfield House.

Même si vous n’avez jamais lu les tomes de Dark Moon (bien que nous vous y invitons), l’histoire ne doit pas vous sembler inconnue puisque de nombreux indices se trouvent dans chaque clip du groupe, en plus des paroles. Cependant, cet article spécial est l’occasion d’en apprendre davantage !

One In a Billion

Ce nom vous dit quelque chose, n’est-ce pas ? « One In a Billion » est sorti en tant qu’original single le 6 septembre 2022. Son ambiance pop rock fut agréablement accueilli par le public, tant dans sa mélodie que dans ce qu’il transmet à travers ses paroles. À l’époque, le premier Webtoon de la série Dark Moon venait de se terminer, alors pour l’occasion Enhypen a produit ce morceau.

Accompagné de son propre MV qui retrace les lignes du récit de Dark Moon : The Blood Altar, on y trouve les membres de Enhypen cherchant à élucider le mystère qui les entoure.

« Une sur un milliard
Non-non-non, tout chez toi m’attire
Sang chaud circulant dans mes veines
Mon cœur pointe vers toi
J’ai remarqué en un coup d’œil
C’est le destin, oui
Une sur un milliard »

Ce morceau traduit un profond désir et une forte passion. Les paroles dépeignent le sentiment de se sentir vide, incomplet, jusqu’à finalement rencontrer une personne spéciale à nos yeux qui devient cette partie manquante.

Comme chanté dans le refrain, « une sur un milliard » représente cette dite personne, Sooha. Tels des aimants, nos sept garçons se sentent étrangement attirés par elle. Et au fur et à mesure de l’évolution du récit, ils se découvrent finalement liés par le destin. La chanson confirme la forte croyance dans une destinée prédéfinie à travers de vives métaphores et un langage poétique. Ces images et ces mots expriment la connexion inestimable de deux âmes, mélangées entre la passion et la peur de se détruire ; un amour qui transcende le temps.

Criminal Love

Tout comme « One in a Billion » qui a capturé l’essence de « The Blood Altar », « Criminal Love » est le second OST de ce dernier, sorti le 31 juillet 2023. Très différent du premier du titre précédent, il a réussi à conquérir le cœur de nombreux fans (dont celui de votre autrice).

En plein milieu de l’été, Enhypen sort « Criminal Love », très peu de temps après la sortie de l’album Dark Blood qui a reçu de nombreuses récompenses. À peine sorti, il est streamé massivement, et sa première performance dévoilée 5 jours plus tard rencontre un grand succès.

Lors de leur tournée FATE à Séoul, les membres présentent leur nouvelle chorégraphie. L’intensité de la mélodie, de leur voix posées sur l’instrumentale, et de leurs mouvements créent une atmosphère puissante comme on pourrait le ressentir dans le Webtoon. Ce morceau qu’on peut classer dans la catégorie EDM pop, se distingue par ses parties orchestrales samplées et entraînantes, notamment ses semblants de coups de feu, ainsi que la performance vocale de tous les membres. Le morceau est épique, dévoilant une énergie frénétique qui maintient le public en haleine, du début à la fin.

Au cœur de ses paroles, nous faisons face à un amour criminel. Les protagonistes dépeignent le sentiment de solitude d’un amour amer. Cette personne à qui ils sont liés n’est plus présente, alors ils attendent impatiemment que la boucle se retrace, qu’ils se retrouvent dans une nouvelle vie « Oh, tu dis « Bonne nuit, retrouve-moi dans une prochaine vie” / Mais où es-tu maintenant ? », telle leur destinée. Cachés dans les ténèbres, ils n’attendent qu’une chose, redécouvrir la lumière grâce à leur princesse, Sooha.

« Des heures comme des minutes, une folie séduisante
Aucun moyen d’arrêter cet amour criminel
Mon Dieu, cette nuit a comme un goût, ooh-ooh-ooh-ooh
D’amour criminel »

« Criminal Love » n’est pas qu’une simple chanson, mais bien un ensemble d’éléments qui créent une atmosphère unique, marquant l’esprit de chacun.

Ces deux premiers morceaux n’étaient que redécouvertes comparé à la suite de l’EP Memorabilia. Pourtant, ils nous ont permis de nous replonger dans leur univers, et de captiver notre attention sur chaque aspect artistique de ces derniers. « One In a Billion » et « Criminal Love » sont tous les deux une belle introduction à Memorabilia, et à la série Dark Moon pour ceux qui voudraient en découvrir davantage.

Qu’en est-il des titres inédits ?

Fatal Trouble

Un soupçon de légèreté et d’émotion, c’est ce que « Fatal Trouble » partage à travers sa charmante mélodie. Au long de ces 2:54 minutes, nous nous enfonçons davantage, et progressivement, dans leur “conte de fée”.

Vous l’aviez sûrement déjà constaté, « Fatal Trouble » n’est autre que la Title Track de cet EP. Elle est accompagnée d’un MV spécial aux côtés des personas/alters egos de chaque membre : Heli, Solon, Jakah, Jaan, Shion, Jino, et Noa – nous découvrons un voyage nostalgique vers leur vie présente.

Depuis leur début, Enhypen nous montre un monde fascinant, parfois dangereux, parfois enivrant. Chaque moment de leur vie en tant que vampires défile dans le MV, montrant l’évolution du groupe, comme celle de leurs personnages.

Le début de leur voyage se trouve dans la forêt, près de leur orphelinat sous les flammes. Comme on peut le voir dans le tout premier teaser de Enhypen, Choose-Chosen, la forêt est également présente, créant un lien entre le groupe et le webtoon. De plus, la maison en feu est peut-être celle représentée dans le MV japonais de « Tamed-Dashed ». Le voyage se poursuit dans une ville monotone. Habillé de costumes distingués, il se peut que les images démontrent la suite des chapitres de Children of Vamfield (toujours en cours de parution).

On les suit ensuite dans une ville beaucoup plus illuminée, brillant de nouvelles technologies. Les feux d’artifices font référence au MV « Blessed-Cursed » lorsque la nouvelle année 2000 commence. Cette scène est également illustrée dans le webtoon cité au-dessus.

Les garçons enchaînent leur excursion vers la prestigieuse académie Decelis, où ils sont étudiants. Les décors sont très colorés et vivants, faisant penser au MV de « Tamed-Dashed », puisque c’est là bas qu’ils jouent au Nightball. Ils arrivent enfin à destination, juste après que Heli ait aperçu Sooha dans le train, lui rappelant étrangement quelqu’un. Et c’est de cela que nous allons parler à présent…

La suite du texte évoque quelques spoils concernant l’histoire principale de Dark Moon : The Blood Altar. Nous vous conseillons donc de terminer le webtoon avant, ou de passer au morceau suivant si vous souhaitez garder le mystère.

« Fatal Trouble », concerne l’héroïne de l’histoire, Sooha – ou plutôt Selen. Lorsque les vampires font la connaissance de la protagoniste, Sooha, ils se sentent étrangement attirés par elle, comme le proclame « One In a Billion ». Nous découvrons par la suite dans un flashback, la triste vérité de cette rencontre.

Selen était la princesse d’un ancien royaume du monde de The Blood Altar, connue pour être la première seigneuresse vampire, possédant d’étranges facultés et une puissance inestimable. Les garçons étaient, quant à eux, ses chevaliers servants, prêts à tout pour elle, l’aimant inconditionnellement.
Selen aurait partagé son sang avec chacun de ses protecteurs, les transformant à leur tour en vampire afin de protéger le royaume contre l’antagoniste du récit.
Finalement, dans son dernier souffle, elle partage ses pouvoirs avec les garçons avant de les transporter dans un lointain avenir, afin qu’ils puissent renaître en toute sécurité, malgré le moindre souvenir de cette vie.

À la même époque que nos sept vampires, on fait la découverte d’une humaine se nommant Sooha, gardant comme seul secret un pouvoir dépassant les forces communes. En fin de compte, on découvre plus tard dans l’histoire que les deux protagonistes féminines sont liées par une seule âme. Sooha est la nouvelle Selen de cette époque, également réincarnée dans le temps, mais amnésique de sa vie antérieure.

« Je n’arrive pas à le croire, que tu sois en face de moi (devant moi)
Tout semble identique, mais tu as un sourire différent
Ces yeux si profonds, je regarde au travers pour te trouver
Je suis perdu, qui es-tu ? Où se trouve la personne que j’aime ? »

Face à cette incompréhension, ils se demandent si Sooha est bien la même personne qu’ils ont connu, se demandant qui pourrait bien être cette Selen… Ils doutent de leur mémoire, et de leur confiance envers elle. Perdus entre souvenirs du présent aux côtés de Sooha, et ceux d’avant aux côtés de Selen, les garçons sont désorientés.

Cette troublante sensation est dépeinte comme un « problème fatal », qui brouille leur mémoire, créant une confusion entre passé, présent et futur. Sans réponse, ils remettent en doute leurs croyances et l’authenticité de leur connexion. Mais finalement les mots :

« Je ne te connais pas
Je suis en train de m’effondrer
Je suis perdu »

se transforme petit à petit en :

« Je sais, je te connais
Alors dis-le moi, que tu n’as pas changé ».

Les garçons se rendent à l’évidence, il s’agit de la même âme, se trouvant dans un corps différent. Mais quoiqu’il arrive, leur cœur choisira toujours cette Selen, et ils se battront auprès de sa nouvelle incarnation, Sooha.

Cette ballade pop et RnB se développe avec harmonie et délicatesse, accompagnée par les puissantes notes des membres nous menant à un surplein d’émotions, de sensibilité. À chaque nouveau couplet, un nouveau membre nous surprend, tant dans le chant que dans le rap, et cela sur toute la longueur du morceau. « Fatal Trouble » est un succès auprès des Engenes coréens, comme de ceux partout dans le monde, laissant sa tendre mélodie bercer notre esprit…

Teeth

Qu’est-ce qu’un vampire sans ses dents aiguisées ? « Teeth » est la troisième b-side (la première exclusive) de Memorabilia, une chanson tournée vers le rock et l’électro qui pourrait davantage correspondre aux précédents albums du groupe dans son style. Mais ce morceau possède quelque chose en plus, il est totalement différent de tout ce qu’on a pu voir auprès du septet, puisqu’il sert d’introduction aux sous-unités de Enhypen : une première pour le groupe.

En effet, seulement quatre membres entrent en scène avec Teeth – Heeseung, Jungwon, Sunoo, et Niki. Ils arrivent à nous transporter vers des sonorités floues et saccadées qui rappellent le phonk, faisant trembler les basses. Ils jouent avec nous en accélérant et en décélérant le tempo, rendent le morceau similaire à une course folle. Grâce à tous ces éléments, nos quatre membres prennent plaisir à explorer de nouveaux horizons vocaux, et ainsi, à déconcerter le public.

« Alors bébé, viens le chercher
Dis-moi tout ce que tu désires
L’argent, le pouvoir, la gloire ? Peu importe
Il n’y a aucun profit que tu ne puisses avoir, choisis »

Heeseung et Jungwon démontrent à nouveau leur ample registre vocal peu importe le type de musique devant eux. Ils détiennent une grande part de la puissance de « Teeth » à travers leurs mots et l’émotion qu’ils nous transmettent. Le rap de Heeseung s’insinue dans notre esprit, tel une morsure de vampire, nous laissant avec un sentiment d’avidité. La voix de Jungwon quant à elle correspond parfaitement à ce genre de chanson, comme on peut l’entendre en particulier dans le pré refrain.

« Le monde est mon échiquier,
brillant avec extase,
Le point culminant d’une vie sans fin »

Étonnamment, celui qui nous surprend le plus dans Teeth est Sunoo. Il sort de sa zone de confort pour explorer plus intensément les tonalités graves. Et cela marque beaucoup les Engenes, d’après les réactions pressenties cette semaine. Sunoo est d’ailleurs le membre qui chante le plus dans « Teeth ».

« Jouons ensemble, tu me donnes tellement soif
Je ressens la morsure dans ma mâchoire, si savoureuse »

Niki a lui aussi plus d’occasions de chanter que d’habitude. Venant des tréfonds de ses entrailles, sa voix perçante s’harmonise parfaitement avec le thème de la chanson. On y découvre un Niki très confiant dans la maîtrise de son rap et de son rythme, surtout dans la partie ralentie qui laisse place à de grosses basses sonores. Cette partie, combinée à celle de Sunoo est l’essence même du morceau, la plus mémorable.

« Je n’ai aucune inspiration, je ne ressens rien
Plus il fait chaud, moins je ressens quelque chose
En fait, même en ce moment, je ne ressens rien de savoureux »

Mais alors, que veulent dire toutes ces paroles ?

Enhypen a pris en maturité avec « Teeth », dévoilant un côté « mauvais garçon », voire toxique d’une relation amoureuse – ou plutôt d’une aventure. En effet, ce morceau aborde des thèmes de désir, de pulsions, ou encore de pouvoir et de contrôle sur une personne.

À travers ces paroles, nous découvrons une soif insatiable qui prend lentement possession de leurs esprits. Tandis qu’ils invitent leur partenaire à exprimer leurs désirs ouvertement, en déclarant pouvoir leur donner tout ce qu’ils souhaitent, nos quatre vampires ressentent un manque. Comme le chante Jungwon, les garçons considèrent leur monde comme un échiquier, ayant le besoin de contrôler tout ce qu’il se passe autour d’eux, afin de mettre un peu de piquant à leur vie d’éternel. Sauf qu’à force de jouer, ils ne ressentent plus rien…

Ce morceau parle de la dualité du pouvoir vampirique des garçons et du vide qu’ils ressentent face à l’immortalité. Ils ont déjà tout goûté, tout devient facile pour eux, alors plus rien n’est stimulant. Cependant, ils continuent à poursuivre leurs aspirations dans ce monde monotone, puisque c’est le seul frisson d’excitation à présent. « Teeth » aborde des sujets complexes, et la recherche d’un sentiment d’épanouissement difficilement atteignable, dévoilant une facette mature du groupe.

Lucifer

Un univers d’immortel, d’angoisses et de douleurs. C’est le monde auquel Jay, Jake et Sunghoon font face dans le morceau « Lucifer ». La 4ème b-side de l’album nous dévoile la deuxième sous-unité de Enhypen, comme on s’y attendait suite à la découverte de la première. Tandis qu’on nous révélait un quatuor puissant avec « Teeth », « Lucifer » est la version douce d’un trio inédit.

Néanmoins, cette musique a fait parler d’elle avant même d’en entendre la moindre seconde. Beaucoup de personnes ont boycotté le groupe à cause de son nom, Lucifer, rappelant celui de Satan dans la bible. Cependant, sa signification pour le groupe est interprétée différemment dans ce morceau. Découvrons ce qu’il en est…

Revenons à l’origine même du nom Lucifer, provenant du latin, il signifie « Porteur de Lumière ». Composé de lux, lucis qui se traduit par « lumière », et fero qui se traduit par « porter », désigne une entité mythologique.

Chez les Romains, le nom Lucifer est donc connu pour être « l’astre du Matin », autrement nommée Vénus, annonçant l’arrivée de la lumière.

Du côté des Chrétiens, il possède trois autres sens. Le premier, comme chez les romains, est le « porteur de lumière », il « apporte la vérité ». Le second se caractérise par « astre brillant » ou « étoile du matin ». Et le dernier est celui qui pose problème ici, Lucifer, le nom de l’ange qui est devenu déchu pour s’être rebellé contre Dieu.

Enhypen utilise souvent des métaphores ou du symbolisme pour parler aux Engenes, c’est leur manière de transmettre des significations profondes, poétiques, afin que nous puissions les apprécier comme il se doit, plus intensément. « Lucifer » fait partie de cette catégorie, utilisant son nom comme métaphore afin de poser un mot sur leur ressenti, leurs doutes et leurs peines en tant que vampire.

« Je tombe sans la lumière
Comme un Lucifer »

L’introduction démarre avec la mélodieuse voix de Sunghoon, nous transportant directement dans l’atmosphère de la musique. « Lucifer » est un morceau neo-soul au tempo plutôt lent. L’ambiance y est mélancolique, presque douloureuse au regard des ses paroles.

« J’ai entendu ta voix dans l’obscurité
Je l’aime, je, je, je l’aime
La berceuse m’a enveloppé confortablement
Je l’adore (je, je, je l’ai adoré comme) »

Comme dit précédemment, « Lucifer » aborde des thèmes sombres et complexes. Il exprime le sentiment commun de haine et de désespoir envers l’humanité que les garçons ressentent tout au long de Children of Vamfield. On parle de perte, d’incompréhension, de destruction. À travers ce nom, ils véhiculent un message touchant, dans lequel beaucoup d’Engenes pourraient se reconnaître : le fait de tomber dans l’obscurité et dans la solitude « Ayant perdu la lumière, je tombe », de se battre contre soi même, dans une lutte identitaire.

« Avec la rage ardente de Lucifer, j’ai tout dévoré
Je suis devenu un monstre terrifiant quand je t’ai enlevé, j’ai tout ravagé et détruit »

Dès le début, Enhypen fait la mention d’une lumière ardente « Votre petite chaleur / Un rayon de lumière qui illumine mon monde / Non, je ne peux pas vivre sans toi ». Cette lumière pourrait représenter un amour inatteignable, ou bien leur humanité. Cette chaleur qu’ils souhaitaient garder auprès d’eux leur a été enlevée, provoquant une sensation de vide, de froid sur son passage « Je ne ressens pas de douleur, simplement du froid ».

Les références multiples à Lucifer « I am a Lucifer », démontre la dualité des sentiments d’Enhypen, perdu entre peine et colère. Le monde humain a rejeté les vampires en eux ; ils se sentent trahis, mis de côté, ils perdent alors le contrôle et deviennent une version monstrueuse d’eux-mêmes, détruisant tout sur leur passage.

« Au fur et à mesure que je me perdais, j’ai progressivement perdu le contrôle
Je suis resté seul »

Ils se posent la question de « Pourquoi moi ? », « Qu’est-ce que j’ai bien pu faire pour me faire rejeter ainsi ? », alors qu’ils n’avaient pas demandé à être vampire. La voix criarde de Sunghoon sur cette partie est terriblement douloureuse, on comprend leur vision des choses, ce qu’ils ressentent avec des paroles similaires à un appel à l’aide. Mais peu importe les conséquences à présent, ils sont prêts à tout pour retrouver leur amour perdu, même au point d’embrasser cette flamme éternelle, voulant retrouver sa chaleur (référence à « Fever »).

« Je ferai tout ce qu’il faut pour que nous soyons ensemble,
tout brûler sans réserve, ça n’a pas d’importance
Lettre rouge, alors prie pour moi et je brûlerai pour toi ».

Nos trois artistes se complètent dans « Lucifer », chantant en harmonie et osant tester de nouvelles techniques. Chaque membre a un temps de chant équivalent aux autres, et cette distribution égalitaire était plus que méritée. Comme des caméléons, ils passent des parties chantés aux parties rappées avec délicatesse, changeant de tonalité à chaque parole. Jay exécute les high notes, notamment lorsqu’il chante « And I’ll burn for you » avec aisance. Jake agit comme un ténor tout au long du morceau, il maîtrise sa voix avec charme. Quant à Sunghoon, il chante une bonne partie du rap mais possède surtout la mélodie « Ooh-ooh-ooh, ooh-ooh je te rembourserai pour les larmes que tu as versées », qui est un moment attendu à chaque écoute – sans parler de leurs « I am a Lucifer ». Lors de l’enregistrement de cette musique, les garçons ont eu quelques difficultés avec ces nouvelles techniques, considérant « Lucifer » comme un challenge pour eux. Heureusement, le défi est relevé avec succès.

Scream

Memorabilia se conclut avec « Scream », la dernière b-side de l’album. Dans le genre indie pop avec un tempo entraînant, cette musique rassemble les sept membres à nouveau et ensemble ils font face à leur dur avenir. Tout comme « Teeth », « Scream » correspond davantage aux précédents albums d’Enhypen (en dehors de la série Blood) dans son style et sa façon d’être composé. Il est alors évident que de nombreux fans apprécient ce morceau.

Tandis qu’on découvrait un passage sombre de leur vie immortelle avec « Lucifer», cette dernière musique est la suite logique de ce récit : la remontée vers la lumière.

« Ooh- Ooh-
Je vais jeter tout mon corps dans ce monde qui m’a repoussé
Ooh- Ooh-
Je suis prêt à avancer, les yeux fixés vers l’avenir »

Comme chanté dans le refrain, nos vampires se sentent enfin prêts à faire face à leur réalité. L’intensité de leur colère s’est dissipée, peu importe s’ils sont ou ne sont pas acceptés par le monde, ils décident de se relever et d’avancer vers l’avenir. « Scream » aborde les ambitions des garçons à aller de l’avant « Peu importe combien de fois je le répète, cours, cours, cours », malgré toutes les difficultés et obstacles auxquels ils sont confrontés afin de naviguer entre la frontière de leur identité vampire à celle des humains. Peu importe les blessures, ils s’engagent à tracer leur propre voie et à courir sans relâche vers leur destinée.

Chaque membre utilise sa voix avec énergie et délicatesse, nous offrant un beau spectacle. Bien que la répartition des lignes ne soit pas équilibrée (on pense à Sunghoon et Niki qui ne chantent que 19 secondes tout au long du morceau), ils ont su captiver les auditeurs et finir en beauté ce nouveau chapitre de leur histoire. « Scream » est la nouvelle chanson de l’été à absolument écouter, vous serez surpris (si ce n’est pas encore le cas).

Fin d’un nouveau chapitre

Finalement, Memorabilia annonce avec brio le ressenti des alter egos de nos chers membres dans la série Dark Moon, coincés entre le monde des humains qui déteste les vampires, et eux-mêmes dans tout cela. Ils se sont aimés, se sont détestés, et ont tout détruit afin de retrouver de la chaleur. Ils ont fini par se battre contre plus fort qu’eux dans l’espoir de vivre paisiblement, comme expliqué dans le webtoon.

Globalement, cet album communique une multitude de sentiments différents ; culpabilité, peine, colère, amour, incompréhension, espoir. Chaque musique possède son propre combat, certaines paroles véhiculent du désir, de l’épanouissement, d’autres de l’incertitude, du désespoir, avec une touche de lutte identitaire. Enhypen a exprimé avec passion et douleur, son ressenti sur son récit, pour toucher le maximum de personnes, afin que nous puissions nous identifier à leur musique et à eux mêmes. Mais également, pour qu’eux aussi puissent faire face à leurs faiblesses, leurs forces, et ainsi grandir.

Memorabilia est la clé de l’univers d’Enhypen. Cet EP est l’incarnation musicale du groupe et de l’histoire originale de HYBE, la série Dark Moon – faisant le lien entre les webtoons et les MVs, entre les paroles et les actes. Nous découvrons enfin la version physique de leur conte attaché à leur identité d’idols, un moment qui était attendu par les plus grands amoureux de leur concept envoutant. Les morceaux dépeignent magistralement les diverses émotions, aventures et épreuves du webtoon, en ajoutant de la profondeur et de la signification entre Heeseung, Sunghoon, Jungwon, Jay, Sunoo, Jake, Niki et leur version vampire – Heli, Solon, Jakah, Jaan, Shion, Jino, Noa. Cet album souligne magnifiquement l’évolution d’Enhypen jusqu’ici, un soupçon de fantaisie.

Et vous, quelle est la chanson qui vous a le plus marqué ?

27 mai 2024
LIVE REPORT : La Tricky House de Xikers s’est installée à Paris

Après leur tournée aux USA, xikers ont décidé de poser leurs bagages en Europe pour une tournée de 8 dates entre le 28 janvier et le 10 février 2024. Cette dernière date se déroulant dans la capitale lumière.

L’annonce a été faite en décembre dernier et on peut dire que ça a ravi tous les fans du nouveau groupe de KQ, soldant presque intégralement l’Élysée Montmartre (ndlr : capacité de 1300 places).

Un show plein d’énergie

Les 9 garçons (Junghoon étant toujours en hiatus) ont performé sur la scène française pendant près d’1h30 enchaînant plusieurs de leurs titres phares ainsi que des covers d’autres artistes.

Après une VCR sur « Tricky’s secret », xikers sont arrivés avec « Tricky House » et « Doorbell Ringing » issus de leur premier album. Ils en ont profité pour se présenter et saluer le public qui s’est montré très enthousiaste. Minjae, le leader, était d’ailleurs un peu décontenancé (mais content) quand il a dû demander le silence pour que tous les membres puissent se présenter.

Ils ont enchaîné avec 4 autres titres de leur discographie (« Oh My Gosh », « Koong », « Xikey », « Run ») puis est arrivé le moment des covers où ils ont créé 3 équipes de 3 pour danser sur « Dynamite » de BTS, « Super » de Seventeen et « Cherry Bomb » de NCT127. Ils ont aussi cover à 9 « Iffy » de Chris Brown et « Bouncy » de Ateez. Puis Hunter et Junmin ont performé un duo sur The Weeknd qui a mis en émoi toute la salle !

Après cette parenthèse, ils sont remontés sur scène avec 4 titres de leur dernier album dont la Title Track « Do or Die » et ont terminé leur show par « Rockstar ». La foule n’a d’ailleurs cessé de chanter les paroles jusqu’à la fin, faisant même traîner Sumin sur scène qui visiblement n’avait pas envie de quitter les roady.

Crédit : Camille Font – dear.korea

Crédit : Camille Font – dear.korea

Crédit : Camille Font – dear.korea

Les roady toujours présents pour xikers

Pendant ce concert on a pu voir plusieurs projets mis en place par la fanbase française du groupe se concrétiser. La bannière a été très appréciée par les membres, Hunter en a d’ailleurs parlé pendant son live post concert se disant « très touché ».

Les fans ont également agité des petits cœurs à l’effigie de Junghoon pendant « Sunny Side » pour lui montrer leur soutien ce qui n’a pas manqué d’émouvoir les 9 garçons présents sur scène.

Moment d’échanges entre xikers et les roady

Les roady français avaient la possibilité de rencontrer le groupe coréen après le concert grâce aux avantages VVIP (photo + HiTouch) et VIP (HiTouch).

Après 30 minutes d’attente, le HiTouch a commencé. Les membres ont salué chaque fan en étant très chaleureux et en les remerciant d’être venus. Certains étaient même assez impressionnés de voir autant de monde venu pour eux.

Après ce premier contact, les photos de groupe ont débuté. Par groupe de dix personnes, les fans étaient assis devant les membres, sur une seule ligne. Les garçons étaient très contents et les fans ont pu faire des cœurs, des petits câlins ou autres pour avoir de jolies photos. De quoi finir en beauté cet événement tant attendu par plus d’un millier de roady.

Crédit : Camille Font – dear.korea

Crédit : Camille Font – dear.korea

Crédit : Camille Font – dear.korea

La suite ?

Si les roady pensaient se reposer après cet événement intense en émotions, ce n’était qu’illusion. Le lendemain à 16h, le groupe de KQ a annoncé officiellement son comeback qui a eu lieu le 8 mars dernier avec “We Don’t Stop”. Et comme on ne s’arrête jamais en si bon chemin, après 2 mois et demi de promotion, c’est au tour de leur premier single japonais “Lunatic” d’être annoncé, rendez-vous le 7 août prochain !

22 mai 2024
JUKEBOX : First Howling : NOW de &Team, un premier album qui solidifie leur popularité.

Déjà plus d’un mois que &Team a sorti son dernier album de l’année, et le moins qu’on puisse dire c’est que le groupe n’a pas chômé en 2023. Ils ont sorti 2 albums, en ont fait la promotion au Japon et en Corée du Sud, que ce soit sur des Music shows ou des Variety Shows. Ils ont participé à des concepts sur Youtube, ont fait la couverture de certains magazines et même terminé 3ème des comptes Tik-Tok les plus vus au Japon. Découvrons en détail cet album conclut une année bien remplie.

Le premier album complet

En effet, il s’agit pour nos loups-garous préférés leur premier full album. First Howling : NOW reprend le nom de ces 2 prédécesseurs, on peut donc se demander si cet album vient clôturer une trilogie entamée aux débuts du groupe. Cette théorie est étayée par la composition de l’album. First Howling : NOW est constitué de dix-huit morceaux, un nombre impressionnant pour la pop asiatique et pour un rookie de Hybe. Cependant les Lunés ne se sont pas réjouis trop longtemps puisque seuls 5 de ces titres sont nouveaux.

L’intégralité des titres de First Howling : ME et First Howling : WE sont présents dans cet album. Concernant les versions coréennes, la nouvelle est celle de “Road not taken”. D’autres semi-nouveautés sont les chansons créées pour le survival show &audition. Il s’agit cette fois ci des versions avec seulement les membres de &Team.

War Cry

Parmi les réelles nouveautés nous avons le titre principal, “War Cry”. Il s’agit d’un morceau plus intense que les deux premiers titles-tracks de &Team. Il y a moins de mélancolie et plus d’émotions brutes et immédiates. Le titre “War Cry” en français “cri de guerre”, annonce la couleur. Les 9 membres veulent faire entendre leurs cris et leur voix. Ce sont d’ailleurs les paroles que l’on entend en premier dans la musique, rappées par Nicolas :

“Ring the alarm (Ring, ring)

Can you hear my sound? (Ooh, yeah)”

Il y a un sentiment d’urgence, une volonté de sortir de sa zone de confort immédiatement. Comme dans leurs précédentes titles-tracks, la mélodie est toujours très présente, mais cette fois-ci le rap prend une place plus importante. Les riffs de guitare amènent une ambiance plus sombre à ce morceau pop-rock. Leurs voix dans les refrains sonnent comme des cris, ce qui est accentué par le contraste avec le pré-refrain plus doux chanté par Harua, Jo et Maki. Encore une fois pour &Team, le bridge et le dernier refrain sont phénoménaux, ils emmènent la chanson à son apogée et laissent un souvenir épique en tête.

Le clip de “War Cry” se démarque beaucoup de ceux des titles-tracks précédentes, les couleurs sont plus criardes, les décors sont moins réalistes, les effets spéciaux plus fantastiques et évidents. Plusieurs sets se distinguent, celui avec un sol de glace et un ciel à sang, celui dans un immeuble en ruine et celui au milieu des poutres en métal rouges. Il y a des plans en mouvement avec des éléments 3D animés comme des bouts de verre ou des formes argentées à la manière d’un clip de Aespa. Les transitions sont brusques mais fonctionnent avec le style du clip et de la musique. Le rythme global du montage est très rapide, on ne nous laisse pas le temps de respirer. Le style de ce clip est très nouveau pour &Team. On a l’impression d’être passé dans un autre monde, et si précédemment l’allusion aux loups-garous était plus subtile, elle est cette fois-ci flagrante.

Tous ces changements semblent suivre le cours de l’histoire de Dark Moon : The Gray City. Fini les uniformes d’écoliers, ils sont maintenant habillés en noir, qui peut symboliser le poids de leur rôle de loups-garou, l’insoucience a disparu dans leur storyline et dans War Cry. Dès les premières secondes, les lecteurs de Dark Moon : The Gray City ont repéré les éléments en commun. K qui tient le silver fang (collier important dans l’univers Dark Moon), il y a une silhouette de femme avec sa capuche rouges comme les cheffes vampires qui veulent du mal aux loups. Les chauves-souris qui volent tout le long du clip représentent les hordes de vampires qui les ont attaqués. La fin est également très explicite puisque qu’on voit les membres avec les yeux jaunes s’accroupir à la manière de loups. Aucun doute possible le clip de “War Cry” retrace le combat entre nos loups-garous et les vampires hostiles, le moment où ils ont perdu leur innocence en devant se battre pour survivre.

La chorégraphie est elle aussi très intense, les membres sont parfaitement synchronisés. Certains mouvements rappellent des coups de griffes ou des coups de mâchoire. Un tableau représente un loup sur une montagne. Les pas sont saccadés, moins fluides que dans leurs précédentes chorégraphies. Cela permet de mieux retranscrire l’ambiance de guerre, mais aucun mouvement n’est très mémorable. Cette Title-Track puissante se démarque des autres titres de l’album.

Dropkick

La première B-side est Dropkick. C’est un morceau beaucoup plus lumineux et joyeux. Avec son synthé bien présent, ses couplets rafraîchissants et ses nombreuses lignes chantées en chœur, il aurait parfaitement sa place dans une comédie musicale des années 90. C’est LE titre qui donne plein d’énergie quand on l’écoute. Les paroles sont pleines d’espoir, les garçons leur soutien sans faille à leur amis, la phrase la plus répétée est “Wont leave you standing by Yourself”, une idée plutôt simple mais qui correspond très bien au style musical du morceau et au lore meute de loup-garous du groupe.

C’est la B-Side la plus mise en avant de l’album pendant cette période de promotion. Pour “Dropkick”, nous avons eu le droit à un clip, a des performances dans plusieurs music shows (Music Bank, Inkigayo) mais aussi dans plusieurs formats Youtube (The first take, [performance 37]) et enfin une performance aux Asian Artist Awards (AAA).

Le clip est assez simple, il n’y a pas d’histoire particulière puisqu’il est concentré principalement sur la chorégraphie. Mais ce qui le rend intéressant ce sont déjà les décors : même s’il n’y en a que deux, ils sont grandioses. Le premier est un stade immense, où &Team danse en tenue de Nightball (sport dans les webtoons Dark Moon). Le deuxième est devant une station de lavage automobile, où l’on peut voir derrière eux le bus de l’équipe de Nightball en train d’être lavé. Des inspirations très américaines dans ce clip, mais on retrouve les angles de caméras originaux tels qu’on les connaît dans les clips de K-pop. La chorégraphie est rapide, complexe mais très bien exécutée, elle reflète à merveille la chanson, comme toujours avec &Team.

“Really Crazy (チンチャおかしい)”

La suivante est certes moins énergique que les deux premières mais “Really Crazy (チンチャおかしい)” n’en est pas moins appréciable. Toujours dans un registre assez doux les neufs membres chantent le sentiment exaltant de tomber amoureux. L’ambiance rétro est conservée dans l’instrumentale, particulièrement pendant le refrain. Pas de chorégraphie pour ce morceau, ce sont les voix qui sont mises en avant. Nous avons malgré eu le droit à un “live clip” où on retrouve les neufs idols dans leur bus de Nightball, avec chacun un micro dans les mains, chantant pour la caméra. Un format plus posé que les clips habituels mais qui permet tout de même d’apprécier encore plus la chanson.

Alien

Pour clôturer ces quatre nouveaux titres, la dernière est “Alien”. La plus calme de toutes, on apprécie son rythme plus posé. Les voix sont encore une fois l’élément principal, on apprécie tout particulièrement les petits ad-libs au long du morceau. Au niveau des paroles on retrouve beaucoup de mots du champ lexical de l’espace. Elles racontent l’histoire de deux personnes qui sont assez différentes de la majorité des gens, qui ne correspondent pas aux normes sociétales, mais qui parviennent à se trouver et qui se complètent parfaitement. Cette fois ci encore, Hybe Japan a choisi de sortir un Live Clip de la chanson, où on y retrouve les membres dans un studio à fond blanc, un décor d’écolier plutôt simpliste. Cette fois ci ils ont leur oreillettes de retour mais le son est tout de même très ajusté, difficile de savoir si c’est vraiment leur voix live qui ont été utilisées.

La promotion de l’album

C’est déjà la fin de l’année mais pas de repos pour les groupes de Hybe. Les Girlsgroup Le Sserafim et New Jeans ont respectivement performés aux finales de Overwatch 2 et League of Legends. Seventeen est venu aux Headquarters de l’Unesco à Paris pour prononcer un discours et performer à l’occasion du 13th Youth Forum. Et c’est également en novembre que nous avons pu écouter le dernier comeback de Enhypen, Orange Blood, ayant cumulé plus de 9000 albums vendus en France la première semaine de sa sortie. Un peu difficile pour &Team de se faire une place parmi tous ces gros événements, c’est pourtant un comeback important pour eux, et on voit que Hybe a su les mettre en avant.

La promotion a évidemment commencé par un showcase pour le lancement de l’album. &Team ont ensuite performé sur les music shows coréens hebdomadaires tels que Inkigayo, Music Bank, MBC Show! Musicore, mais aussi sur Studio Choom, Relay Dance. Ils ont montré leurs talents en chant sur “THE FIRST TAKE” par deux fois avec les morceaux “Under The Skin” et “Drop Kick”, et Maki est apparu seul sur “Store Link Live” et avec Matthew de ZB1 sur “SoundLess Live”. Ils ont aussi amusé les fans dans “My first MAMA Mate”, “Star Countdown”, “Its You dance”, “Eightest”, “Ask me anything” de Elle Korea ou encore “Dope Club”. Beaucoup d’émissions différentes, tellement que la liste paraît sans fin, les membres d’&Team ont beaucoup de ressources puisque Fuma est même passé sur le “Ninja Warrior” japonais.

Mais Hybe ne s’est pas contenté de ces apparitions puisque le groupe a participé aux très regardés awards shows de fin d’années. &Team ont enfin pris part à leur premier MAMA, qui se déroulaient cette année au Tokyo Dome au Japon, ils y ont performé leur dernière Title-Track “War Cry”. Ils sont ensuite apparus aux Asian Artists Awards (AAA) où ils se sont beaucoup fait remarquer, notamment par leur performance avec le groupe Philippin SB19 sur leur célèbre morceau “Gento”. Ils ont tout de même chanté “Dropkick” et “War Cry”. Leur apparition la plus récente se trouve être au SBS GayoDaejeon où leur performance de “Firework” a fait beaucoup parlé sur les réseaux sociaux. Certains ont découvert cette chanson grâce à celle-ci même si le morceau est sorti plus tôt en 2023, une bonne occasion pour les Lunés de vanter les talents de &Team aux nouveaux intéressés.

En bref une période de promotion intensive pour &Team, mais qui fonctionne puisque “War Cry” est le premier clip du groupe à dépasser les 10 Millions de vues. Beaucoup de nouveaux fans les ont découverts pendant cette fin d’année chargée et ils espèrent qu’il y en aura encore plein d’autres dans le futur. La fanbase d’&Team grandit de plus en plus chaque jour, et même si leur croissance n’est pas explosive, ils arrivent à toucher de nombreuses personnes chaque jour par leur talent et leur musique. &Team vont même avoir le droit en 2024, à leur première tournée “First Paw Print” qui se déroulera au Japon et en Corée du Sud, et on espère évidemment les voir en France prochainement.

Et si votre bonne résolution en 2024 était de devenir Luné ?

31 décembre 2023
LIVE REPORT : Xdinary Heroes défendent un rock courageux à Paris

Le groupe Xdinary Heroes a enflammé la scène du Bataclan le 11 novembre et nous avons eu l’immense plaisir de nous rendre à leur première tournée mondiale.

Ils se rendent dans six villes d’Europe avec des escales à Londres, Francfort, Madrid, Milan et Varsovie. Paris marque le début de cette tournée européenne pour le groupe de rock du label Studio J de la JYPE.

Leur dernier album, “Livelock“, était très attendu de la part des Villains (nom officiel des fans) et du grand public avant même sa sortie. Chaque membre a participé à l’écriture et à la composition des chansons, et nous avions hâte de les voir performer en live. C’est sous le message de “la course vers la liberté” que le concert se déroule, où il nous invite à “Break the Brake” avec eux.

Avant même leur arrivée, la foule commence à se réchauffer avec des cris de l’hymne de “Seven Nation Army”, le fameux “popolopopo” que tout le monde connaît. Un ingénieur du son arrive sur scène pour tester une guitare, un test du micro est aussi fait, et le public se met facilement à crier. Une coordination sans faille pour ces fans habillés de rouge et de noir, des étoiles dans les yeux mais aussi en barrettes dans les cheveux, une ambiance rock qui nous donne envie de tout casser.

Les membres arrivent sur scène, nous saluent très rapidement encore dans la pénombre avant de prendre leurs instruments, et c’est parti pour une soirée survoltée avec “Freddy” ! . Les lumières s’allument et les enveloppent de bleu et de violet, Gaon, le guitariste et chanteur demande de faire plus de bruit et la salle crie en réponse. Ils enchaînent avec “Come into my head” qui donne le ton, celui d’une fusion entre le Bataclan et les rockeurs. Leur énergie sans faille continue sur “KNOCK DOWN” au refrain plus calme mais toujours entraînant, puis c’est au tour de “checkmate” et “Test Me”. Jooyeon se plie sur sa guitare pendant que O.de saute sur son clavier, et chaque membre de cette équipe donne le meilleur d’eux-même.

C’est le moment de poser un instant les instruments. Le groupe nous salue dans un “Bonjour Paris, make some noise” et nous décidons de taper du pied pour montrer notre engouement.

Ils se présentent un à un en nous disant bonjour, nous demandent ensuite comment on se sent et Gun-Il joue de la batterie alors queles fans hurlent de joie.

Gaon admet que ça lui donne des frissons, et que c’est incroyable de pouvoir réaliser son rêve de faire une tournée mondiale. Et qu’est-ce qui est important pour ne plus avoir de limite ? La réponse est toute trouvée, évidemment ce sont les Villains ! Jooyeon applaudit alors que les “polopopo” reviennent, cris que les membres des Heroes accompagnent à la basse et à la batterie, en communion avec les fans. Jooyeon nous dit d’exclure toutes les ondes négatives pour profiter du concert, et on s’exécute avec enthousiasme.

Ils reprennent leurs instruments, et c’est le moment de jouer “Hair Cut”. Le guitariste et le bassiste s’avancent pendant la chanson, montant sur les petites estrades qu’il y a sur la scène. On continue, et un des membres nous apostrophe “Let’s go Paris !” pendant “Enemy”, chanson qui résonne pour la jeunesse, de ce sentiment de ne pas se connaître et de ne pas comprendre pourquoi on s’auto-sabote. “Man in the Box” réussit alors à transmettre la même émotion d’enfermement. Nous voulons briser nos chaînes mais ce n’est pas encore l’heure, pour l’instant “Ghost” complète parfaitement cette suite. Ils racontent l’histoire familière de ce moment où on tombe dans le piège de répéter constamment les paroles meurtrières des autres, de ces fantômes qui nous pèsent.

Xdinary Heroes reviennent nous parler. Ils étaient inquiets de savoir si les gens allaient aimer ou non leur musique, mais maintenant ils n’ont aucuns regrets. Des chansons plus douces vont venir apaiser nos peines, pour nous remercier de la force qu’on leur amène.

Les Villains allument la lumière de leurs téléphones et les lightsticks voguent doucement de droite à gauche alors que les chanteurs commencent “Dear H.”. Les fans continuent de chanter sur “Good enough”, un moment plein d’émotions qui amène quelques larmes passagères dans la foule. Ils arrivent à transmettre cette énergie même sur des chansons lourdes de sens, et nous avons du mal à le retranscrire avec desmots alors que “Paranoid” se déroule sous nos yeux.

Cette émotion est partagée puisque O.de est ému de nous voir partager la musique avec eux. Ils s’arrêtent cependant tous de parler pour nous demander avec bienveillance de reculer et de faire attention à la sécurité de tous. Les Heroes veulent être une force pour leurs fans, et on le ressent dans leurs petites attentions.

Gaon nous dit que Paris est incroyable.

Pour la suite, les artistes reprennent une chanson d’un de leur labelmate, avec une version rock de “WANNABE” de ITZY ! Chanson bien choisie dans cette setlist puisqu’elle reflète cette envie d’être soi-même envers et contre tout. La deuxième cover de cette partie est un titre plus ancien, “The Great Escape” de BOYS LIKE GIRLS. Tout le monde tape dans ses mains pendant la reprise, c’est le temps de prendre notre envol.

Le groupe nous parle à nouveau pour nous dire que c’est la première fois qu’ils ressentent une telle émotion. Encore une fois, “polopopo” est chanté et repris à la basse et à la batterie. Une vraie cohésion s’est installée entre les fans et les stars de la soirée. Ils vont montrer une danse et demander de chanter, et c’est la fameuse shoulder danse de “WANNABE” qui est faite sous les “polopopo” au lieu d’être faite sous les paroles originelles.

“Bad Chemical” est jouée pendant que les frontliners montent un à un sur leur estrade, se rapprochant du public, échangeant des regards, des paroles. Gaon déclare “I love you Paris” et “Freakin’ Bad” commence, chanson pendant laquelle Jun Han fait un mini solo de guitare qui exalte la foule. L’énergie monte à son paroxysme, et Gun-il se lève pendant le pre-chorus de “Sucker Punch!” qui semble être autant appréciée par les Villains. “Strawberry Cake” conclut cette partie pleine d’entrain.

“Vous êtes les meilleurs” dit Jooyeon en français avant de rire de notre réaction passionnée. O.de prend le drapeau de la France qu’un fan lui tend, il fait le tour avec sous les acclamations de tous.

Ils nous promettent de faire de belles musiques et de les partager avec nous.

Le concert reprend avec “Pirates” et ils laissent les fans chanter le refrain de la chanson.

“안타깝지만, you don’t understand

날 한껏 underestimate, 차가운 비웃음에도 난

멈출 수 없어, it’s my destiny “

C’est au tour de “Bicycle”, ba-ba-ba-broom. C’est la dernière chanson de l’album Deadlock puisqu’ils continuent avec “Break the Brake” de l’album Livelock, une des chansons les plus attendues. Les mains se lèvent, on saute avec entrain. Les lumières s’éteignent finalement mais nous ne sommes pas dupes : l’encore va bientôt arriver.

Les Heroes reviennent en effet avec leurs lightsticks et portent maintenant des tee-shirts de la tournée. Ils jouent “AGAIN? AGAIN!” aux sonorités du rock des années 2000 que nous adorons. Le public répète surchauffés les “love again” du refrain. Dans la même ambiance, “PLUTO” évolue en un hymne de confiance en soi, leur charisme est indéniable.

C’est le dernier échange de la soirée, ils pensent que grâce aux Villains, la tournée va être parfaite. Le public scande le nom de chaque membre avant leur temps de parole individuel.

O.de trouve que la soirée est folle, que c’est un souvenir inoubliable. “Est-ce que vous avez chaud ?” Tout le monde répond que oui. C’était un moment unique et spécial, il imite ensuite les “Shhh” que certains fans font pour calmer la salle, ce qui finit par amuser tout le monde. Il espère que nous allons garder un bon souvenir du concert.

Jooyeon s’incline. Il trouve incroyable de partager un si beau moment avec de si belles personnes. Il promet que ce moment restera inoubliable et en parlera à tout son entourage. En français pour lui aussi, il nous demande de dire à notre entourage que Xdinary Heroes sont les meilleurs.

Gun-Il, le leader du groupe, est ravi de commencer la tournée mondiale à Paris. C’était un rêve pour lui depuis qu’il était petit de venir à Paris, il est content de réaliser ce rêve avec nous. Il nous a entendu chanter avant le concert et il est reconnaissant de notre venue. Et en français il nous dit “Merci pour ce souvenir inoubliable”.

Jun Han rigole lorsque certains s’écrient “I love you” dans la fosse. Il est vraiment heureux que tout le monde soit venu. Il ne sait pas ce qu’ils pourraient nous donner de plus, mais c’est un honneur d’offrir sa musique. La fosse et le balcon du Bataclan applaudissent. En français cette fois, “c’était génial de nous rencontrer à Paris”.

Gaon trouve qu’on était les plus chauds du monde entier. Il se souviendra de chaque yeux, de chaque regard. Il demande si le public est fatigué, ce à quoi nous répondons en chantant “On est pas fatigués !” Il nous remercie d’être venus si nombreux, et en français, il nous trouve “magnifiques”.

C’est enfin au tour de Jungsu, qui réfléchissait pendant tout le concert à ce qu’il allait dire. Lorsqu’il a su qu’ils allaient partir en tournée mondiale, c’était émouvant. Il a réalisé qu’il pouvait rencontrer les Villains du monde entier, il est très content de pouvoir partager leur musique. Dans une émotion commune, le claviériste indique que nous sommes sa lumière, ses étoiles, et sa force de vivre. Il a beaucoup appris à Paris. Pour finir en français, il nous aime, et à bientôt.

C’est la fin qui nous rattrape avec “X-MAS” et “Happy Death Day” où tout le monde saute. Ils quittent leurs instruments pour venir sauter avec nous sur le devant de la scène, ils complètent les cœurs des fans avec leurs mains, et saluent en regardant toute la salle. Le groupe part finalement sur les “polopopo” finales du public, qu’on aura bien entendu ce soir.

Nous remercions encore MyMusicTaste de nous avoir invité à ce spectacle sans pareil, et nous ne manquerons pas de vous partager les futures activités du groupe.

7 décembre 2023
Le début attendu de ONE PACT

ONE PACT est un boygroup sud-coréen d’ARMADA Ent. Le groupe a débuté le 30 novembre 2023 avec son premier mini album Moment et est composé de cinq membres qui ont tous participé au survival show BOYS PLANET : Jeongwoo, Jay Chang, Seongmin, TAG et Yedam. Le nom du groupe ONE PACT est une combinaison des mots “one” et “impact” signifiant qu’ils visent à se rassembler pour créer un impact important.

Il est à noter que presque tous les membres du groupe ont déjà fait un début par le passé. Ainsi, Jeongwoo était membre du groupe BLACK LEVEL sous le nom de scène Ze:U. Seongmin, avec le nom de scène Jerome, faisait partie de TO1 (anciennement TOO) jusqu’en 2022. Enfin TAG était membre du groupe Ciipher.
Jay Chang a, quant à lui, fait un début solo cette année avec un mini album intitulé Late Night, peu de temps avant d’être révélé comme étant un membre de ONE PACT.

“J’étais très nerveux parce que tout était une nouvelle expérience pour moi. J’étais également enthousiaste parce que c’était notre nouveau départ et je voulais faire de mon mieux pour les fans qui nous attendaient. Grâce à leur dévouement et leur soutien, nous pouvons débuter en tant qu’un groupe cool appelé ONE PACT et j’en suis très heureux. Je monterai différentes facettes en tant que Yedam de ONE PACT, merci.”
Yedam, membre de ONE PACT.

“Bonjour, c’est TAG de ONE PACT ! Pour moi c’est assez surréaliste de commencer un nouveau voyage. J’ai hâte de voir la croissance de ONE PACT et le voyage que je ferai avec les membres. Merci à tous les fans qui nous ont soutenus et attendus et nous vous promettons de vous montrer chaque jour de meilleures facettes de nous-mêmes ! J’espère que vous resterez en bonne santé et nous préparerons des performances qui rendront tout le monde heureux. Merci !”
TAG, membre de ONE PACT.

Le mini album contient six nouvelles chansons dans des genres divers. TAG était chargé de la production globale de l’album, en veillant à y incorporer la couleur générale du groupe, il a pris part à la composition et à l’écriture de paroles de cinq chansons dont la chanson titre « Must Be Nice (좋겠다)« . Cette chanson évoque le sentiment agréable d’avoir une personne prête à tout, même pour faire plaisir a des gens égoïstes, dans sa vie. Le groupe a aussi sorti deux b-sides, « G.O.A.T » et « 멋진 거 (Hot Stuff) » accompagnés de vidéos performances avant leur début officiel.

5 décembre 2023
Les chansons de boygroups préférés d’une « girlgroups stan »

Lorsque vous voyez mon prénom sur le site de dear. korea, il est souvent associé à des girlgroups. Ces derniers mois, il est vrai que je n’ai pas fait énormément de revues musicales sur des boygroups, à quelques exceptions près.

Mes collègues dans le collectif eux-mêmes me connaissent comme une grande adepte de girlgroups. Une fois, alors que je parlais de BOYNEXTDOOR, une autre bénévole a répondu « si tu les aimes autant, je devrais leur donner une chance ».

Au quotidien, j’écoute une variété de groupes, de solistes, et même d’artistes qui ne sont pas coréens. Pourtant, mes goûts en matière de boygroups restent assez inconnus.

Faisons donc un petit tour de mes chansons préférées par des boygroups, en tant que « girlgroups fan ».

SEVENTEEN – DON’T WANNA CRY

Je me souviens de la première fois que j’ai écouté « Don’t Wanna Cry ». C’était dans un bus, juste après sa sortie – je sortais rejoindre des amies pour passer une après-midi avec elles. C’est étrange que le premier souvenir qui me revienne en tête lorsque je pense à cette chanson soit celui-ci en particulier.

J’aurais pu associer « Don’t Wanna Cry » à des moments moins agréables – une soirée à pleurer, angoissée par les cours, par exemple. Et pourtant, le titre est parfait pour ne se souvenir que de moments où j’aurais pu pleurer mais que je ne l’ai pas fait.

Seventeen a, selon moi, une des meilleures discographies de toute la K-pop. Je n’écoute pas nécessairement leurs albums tout le temps, et pourtant, quand je veux découvrir quelque chose de plus doux et calme, quelque chose de nouveau sans pour autant me sentir dépaysée, je me tourne vers ce boygroup iconique.

Quelques autres chansons de Seventeen que j’affectionne sont « HOT » (pour son ambiance western et le boost de confidence qu’elle me donne), « Good To Me » ou encore « Very Nice » et « Pretty U » qui sont des chansons nostalgiques pour les personnes qui sont devenues fans de K-pop à cette époque.

BTS – SPRING DAY

Un de mes tous premiers groupes de K-pop est BTS. Lorsque j’ai commencé à écouter activement ce genre de musique, vers 2016, je me suis attachée à ce boygroup qui est aujourd’hui le plus connu et populaire au monde.

Alors assez fan de hip-hop, j’ai été happée par leurs premiers albums (2 Cool 4 Skool ou encore O!RUL8,2?) tout en appréciant le côté plus électro de leurs sorties récentes de l’époque : « Dope », « Fire » …

Cependant, c’est en 2017 que sort ma chanson préférée de BTS : « Spring Day ». L’ambiance nostalgique ne cesse de me transporter dans un tourbillon de souvenirs divers et variés, tout en donnant une pointe d’espoir quant à l’avenir. Les parties rappées et chantées s’enchaînent sans causer de dissonance, et le refrain, devenu iconique, est particulièrement beau.

« Spring Day » est une chanson que j’affectionne énormément – et je sais que je ne suis pas la seule ! Pourtant attachée aux chansons plus énergiques de BTS, je ne peux pas m’empêcher de la choisir comme ma préférée. De toute la discographie du boygroup, je la considère comme la plus belle et celle ayant le plus de sens.

D’autres chansons que j’apprécie de BTS sont : « Like » (notamment pour le couplet chanté par J-Hope), « Cypher 4 », « 2!3! », « Pied Piper », « Airplane pt.2 », « Dionysus » ou encore « Ugh! ».

WANNA ONE – BEAUTIFUL

Les yeux rivés sur l’écran de mon ordinateur, je suis avec angoisse la finale de la deuxième saison de Produce 101. Est-ce que Ong Seongwu va être dans la lineup finale de Wanna One ?

Quand son nom est annoncé, je pousse un petit cri de joie. Depuis le début du survival, je ne cesse de voter pour lui. D’abord, j’ai été attirée par son sourire lors de la révélation de « Me, It’s Me » avant de découvrir que ce jeune homme étant immensément talentueux. Et puis, je me suis prise au jeu de Produce 101, attendant impatiemment toutes les semaines que les sous-titres de l’épisode précédent sortent.

Lorsqu’il a fallu voter entre « Energetic » et « Burn It Up », j’ai choisi la dernière – et pourtant, lors de la sortie du premier mini-album, c’est la première que j’ai préféré ! J’étais devenue une Wannable fidèle.

Pourtant, lorsque l’on me demande ma chanson préférée de Wanna One, je ne réponds pas « Energetic » mais « Beautiful ». La choisir comme title track était risqué, puisqu’il ne s’agit pas d’une chanson très upbeat ou dansante. Mais le risque a payé.

La version longue du clip est touchante, montrant Kang Daniel et Ong Seongwu comme frères séparés et se battant pour se retrouver. De nombreux rebondissements ponctuent la production de cette « movie version », notamment une scène de bagarre portée par Park Jihoon (qui est, depuis, également devenu un acteur jouant souvent ce genre de scènes !). Il est question dans le clip de fraternité, d’amitié, d’être prêt à tout pour les siens.

Au moment où j’écris ces lignes, les larmes me montent encore aux yeux en regardant le M/V. Cinq ans plus tard, cette chanson possède toujours beaucoup d’importance pour moi.

D’autres chansons de Wanna One qui apparaissent dans mes préférées sont : « Spring Breeze », « Hide And Seek », « Pine Tree », « Energetic » et « Kangaroo ».

PRODUCE X – MOVE

Celle-ci peut constituer une sorte de triche, puisqu’il ne s’agit pas d’un « vrai » groupe. Cependant, si l’on me demande choisir entre la version de Produce X (SIXC) et celle de X1 … je répondrais toujours celle de Produce.

Cette chanson est produite par Zico, et sa patte artistique est plus qu’apparente. A la fois hip-hop et électro, elle est énergique et badass, portée par des raps puissants et des parties chantées plus relaxées. Le refrain est entêtant et entraînant : impossible de l’oublier.

Le rap de Hyun-bin dans le deuxième couplet est à mes yeux iconique, tout comme le « Umjigyeo » de Cho Seungyoun (aujourd’hui plus connu comme Woodz).

Globalement, le titre alterne entre touches d’humour et un vrai côté « dur à cuire », tout comme la chorégraphie qui se mêle à merveille avec l’ambiance de l’instrumentale et paroles.

BOYNEXTDOOR – One and Only

Chanson plus récente, « One And Only » a gagné une place pérenne dans mon coeur. Et sans surprise, le producteur n’est autre que Zico. Il s’agit tout de même de sa troisième production sur cette liste … (« Shall We Dance » de Block B ne fera pas d’apparition ici, sinon nous aurions pu augmenter ce chiffre à quatre)

« One And Only » a une ambiance un peu nostalgique à mes yeux – elle rappelle facilement les chansons qui pouvaient sortir pendant la troisième génération, tout en s’intégrant avec une facilité déconcertante au paysage musical actuel.

Le concept de garçon d’à côté m’a immédiatement rappelé celui de Twice à leurs débuts (ainsi que l’ère « Stereotype » de STAYC). J’apprécie particulièrement ce côté approchable qui leur est donné avec ces chansons décontractées qui jouent entre « mignon » et « badass ».

La chanson est entraînante sans trop en faire, jonglant avec une touche d’humour et le refrain se retient facilement, rentrant immédiatement en mémoire (pour ne plus jamais en sortir).

Et évidemment, je suis une grande adepte du reste de leur discographie, comme le prouve ma revue de leur dernier comeback.

EXO – BEEN THROUGH

« Been Through » n’est pas une chanson que j’écoute tous les jours, je dois l’avouer. Pourtant, j’y reviens régulièrement – elle me rappelle l’hiver ou le calme de la nuit. Souvent oubliée par les fans de K-pop, je trouve que « Been Through » ne bénéficie pas d’une hype suffisante.

Les vocals d’EXO sont particulièrement mis en avant dans cette chanson un peu triste et nostalgique, dont j’écoute également la démo en anglais (chantée par Brandyn Burnette).

Les paroles sont pleines d’une volonté d’espoir, de résilience et de persévérance : « j’y arriverais », « ça passera ». Je les trouve réconfortantes. C’est une manière de dire que la douleur finira par passer, et qu’il y aura toujours une lumière au bout du tunnel.

D’autres chansons que j’affectionne d’EXO sont « Love Shot », « The Eve », « White Noise », et bien sur tous leurs classiques tels que « Growl », « Wolf », « Call Me Baby », « Love Me Right », « Monster » …

THE NEW SIX – LOVE OR DIE

Si une autre rédactrice de Kpop in Paris n’avait pas mentionné cette chanson dans une de nos conversations, je n’aurais certainement jamais découvert « Love Or Die ».

Le titre nous emmène dans différentes directions selon les parties, du rock éclectique pendant les couplets à une sorte d’anti-drop plus calme pendant le refrain. La structure est typiquement ce à quoi je m’attends d’un boygroup aujourd’hui, et The New Six a parfaitement exécuté ce concept à mes yeux.

Je ne suis néanmoins pas une grande adepte du reste de la discographie de The New Six, dans le sens où je ne sais pas si leurs chansons auraient une place dans mes playlists. Leur dernier mini album, BOYHOOD, reste agréable à écouter ponctuellement.

TOPPDOGG – ARARIO

Oldie = goldie ?

Toppdogg est un groupe que l’on a rapidement oublié, et pourtant, « Arario » reste certainement une de mes chansons préférées lorsque l’on parle de boygroups. La nostalgie se mêle à une sorte d’ironie, et la version plus traditionnelle déclenche un sentiment inexplicable.

Les rappeurs de Toppdogg étaient, à l’époque, parmi les meilleurs de leur génération à mon sens, et « Arario » en est une preuve.

Je ne mentirais pas, aujourd’hui je ne la streame pas régulièrement. Pourtant, elle est toujours dans mes titres likés sur Spotify, et j’apprécie la voir passer de temps en temps lorsque je lance cette playlist en aléatoire. De même, lorsque le groupe était toujours actif, je n’étais pas nécessairement une grande fan de leur discographie entière.

Une autre chanson de ToppDogg que j’apprécie est « TOPDOG ».

CIIPHER – BLIND

Ciipher est notoirement connu pour être mal managé par son agence (Rain Company). Les membres partent doucement et le boygroup touche à sa fin. C’est malheureux, car « Blind » est une chanson parfaite à mes yeux.

Elle est la personnification d’un concept un peu cute pour un boygroup, avec une annonce de refrain qui me donne souvent un frisson de nostalgie. La chanson me donne des vibes de Produce 101, en étant sérieuse et bien produite. C’est une des choses à laquelle je m’attends de boygroups, mais plutôt ceux du début de la quatrième génération, voire de la troisième génération.

Retrouver ces influences à la B.I.G (« 1.2.3 », sortie en 2017), en 2021, était une véritable surprise – une très bonne surprise !

J’écoute avec plaisir les autres titres de Ciipher comme « I like you », « Fire » ou encore « Joker ».

NCT U – THE 7TH SENSE

Pour moi, « The 7th Sense » est un des meilleurs débuts de la K-pop. Bien que cette chanson n’ait plus rien à voir avec le style actuel porté par NCT, cette sorte de gravité légère et sensuelle m’a immédiatement attirée.

Pendant longtemps, j’ai été une NCTzen fidèle, avant de me lasser quelque peu des expérimentations musicales poussées par la SM Entertainment, regrettant petit à petit des chansons comme « Boss », « We Go Up » ou même « Simon Says ».

« The 7th Sense » met en valeur les talents des premiers membres de NCT : rap, chant, danse, tout en restant quelque peu humble et simple. Le clip, plutôt sombre, complimente l’ambiance globale du titre qui se veut mystérieux. Sans oublier le mythique « and that’s a long a** ride » de Mark.

Evidemment, je reste assez attachée à la discographie de NCT, « 1, 2, 3 », « 119 », « Stronger » et « Saturday Drip » sont certainement mes chansons préférées de Dream, tandis que je pencherais pour « Paradise », « Baby Don’t Like It », « Dreaming » et « Summer 127 » lorsqu’il s’agit de 127. Enfin, pour NCT U : « OK! », « Misfit », « Baby Don’t Stop » et « Baggy Jeans ».

Voilà un petit top 10, avec des suggestions annexes des groupes mentionnés. Evidemment, la liste n’est pas exhaustive, et pourrait changer dans les mois ou années à venir. Cependant, cela me semblait intéressant de donner un petit aperçu de mes préférences en matière de boygroups puisque l’audience de dear. korea me connaît globalement en tant que grande fan de girlgroups.

Et vous, quelles sont vos chansons de boygroups préférées ? N’hésitez pas à nous le dire sur Twitter !

4 décembre 2023
LOVE LETTER : 6 « nugu » de 2023 à découvrir

2023 a vu son petit lot de nouveaux groupes débuter. De ZeroBaseOne à BoyNextDoor en passant par BabyMonster, les rookies de l’année ont su faire parler d’eux. Mais l’on oublie souvent de mentionner les nugu, ces groupes qui passent souvent sous les radars des fans de K-pop.

Pourtant tout aussi talentueux, les nugu font forcément moins de ventes, moins de vues, et possèdent moins d’auditeurs. Parlons aujourd’hui des nugu ayant débuté en 2023.

Kim Doah

Kim Doah s’est d’abord fait connaître dans Produce 48, émission dans laquelle elle a terminé à la 23ème place, échappant de peu à la finale. Elle débute par la suite dans le groupe Fanatics, qui ne trouvera pas un franc succès.

Puis, elle a participé à Girls Planet 999. Déjà bien connue par les autres trainees, elle devient une compétitrice redoutée, à la popularité établie dans le fandom de GP999. Pourtant, elle est éliminée lors du 8ème épisode.

Après avoir quitté FENT en 2022, elle fait ses débuts en solo avec le single digital « Dream Walking » en mai 2023. Le titre nous a fortement marqué, et nous vous en avions parlé dans un précédent article.

Adya

En mai dernier, Adya a été présenté au public avec le titre « Per » au concept Y2K. Avec des inspirations hip hop, « Per » signifie que les cinq membres se donneront à 100% afin de devenir parfaites. Ce début s’est vendu à légèrement plus de 4.000 exemplaires lors de la semaine suivant sa sortie.

Quelques mois après, le quintet revient avec « What’s Up? », un remake de la chanson de Diva, un groupe de la première génération, appelée « Why Calling? ».

BLACKSWAN

BLACKSWAN a techniquement été créé en 2020. Néanmoins, la lineup actuelle, composée de Fatou, Gabi, Sriya et NVee a débuté en mai 2023 avec « Karma ». Nous considérons ainsi qu’il s’agit d’un nouveau début pour le groupe dont la composition a quasiment entièrement changé depuis ses débuts.

« Karma » est un titre addictif. Le clip, tourné en Inde, rend hommage à la culture de Sriya, première idol indienne à débuter dans un groupe de K-pop.

Sur Ktown4u, le mini album s’est vendu à 261 exemplaires jusqu’à présent.

The Wind

The Wind est un boygroup ayant débuté en mai 2023 avec Beginning : The Wind Page. Composé de sept membres, le groupe est representé par l’agence With US Entertainment. Avec un concept cute, The Wind se différencie des boygroups ayant débuté cette année.

« ISLAND », leur chanson de début, a peiné à dépasser le million de vues et s’est vendue à environ de 3.700 exemplaires lors de la première semaine suivant sa sortie. Néanmoins, leur premier comeback avec « WE GO » a surpassé ce chiffre avec 8.300 ventes lors de la première semaine.

CMDM

Avec six membres, CMDM (Command The M) est un boygroup ayant débuté en avril dernier avec le single album BACK TO THE FUTURE. Un des membres, Choi Byunghoon, a participé à Produce X 101, émission dans laquelle il s’est placé à la 98ème place.

Leur premier single, dont la title track est « Always Go Ready », s’est vendu à 247 exemplaires lors de la première semaine suivant sa sortie et ne possède que 40.800 vues sur YouTube au moment où nous bouclons ces lignes.

82MAJOR

82MAJOR a fait ses débuts en octobre 2023 avec un premier single album nommé ON. La pré-release « Sure Thing », ainsi que la title track « FIRST CLASS », ont eu droit à leurs MV respectifs.

Les six membres, dont le nom de groupe signifie 82 pour l’indicatif de la Corée du Sud et MAJOR pour leur volonté de devenir un groupe majeur de la K-pop, ont participé au processus de création des chansons, les rendant d’autant plus personnelles. Nous vous en avions parlé dans un article datant du 16 octobre.

ON s’est vendu à un peu moins de 7.800 exemplaires lors de la première semaine suivant sa sortie.

N’hésitez pas à lire notre interview de 82MAJOR afin d’en apprendre plus sur le groupe et ses membres !

Votre autrice espère que cet article vous permettra de découvrir de nouveaux artistes, et de donner une chance à ces groupes, ou nugu, moins connus du grand public.

1 décembre 2023
COFFEE WITH : « Je veux laisser une impression durable que 82MAJOR est un groupe cool que d’autres aspirent à devenir. »

82MAJOR est un groupe composé de six membres ayant débuté en octobre dernier avec le double single ON. Les deux titres, « Sure Thing » et « FIRST CLASS » ont été bien reçus par le public international, et à cette occasion, nous avons pu participer à une conférence de presse avec Nam Seong Mo, Hwang Seong Bin, Kim Do Gyun, Cho Seong Il, Park Seok Joon et Yoon Ye Chan.

Yoon Ye Chan parlant bien anglais, ses réponses ont été formulées directement en anglais.

Bonjour, nous sommes 82MAJOR !

Nam Seong Mo : Bonjour, je suis Nam Seong Mo, rappeur de 82MAJOR.

Hwang Seong Bin : Bonjour, je suis Hwang Seong Bin, rappeur de 82MAJOR.

Kim Do Gyun : Bonjour, je m’appelle Kim Do Gyun, la chanteuse et le plus jeune membre de 82MAJOR.

Cho Seong Il : Bonjour, je m’appelle Cho Seong Il, danseur et leader de 82MAJOR.

Park Seok Joon : Bonjour, je suis Park Seok Joon, rappeur de 82MAJOR.

Yoon Ye Chan : Salut, je m’appelle Yoon Ye Chan et je rappe, chante et danse.

Pouvez-vous partager avec nous une de vos compétences cachées que les fans ne connaissent pas encore ?

Nam Seong Mo : En fait, j’ai auditionné pour cette compagnie en tant que chanteur. Donc je peux aussi chanter.

Nam Seong Mo : S’il vous plaît, attendez de le voir avec impatience !

Park Seok Joon : Même si je suis un rappeur, je pense que je suis doué pour proposer les meilleures lignes. Je suis également assez flexible.

Yoon Ye Chan : Je pense que ma compétence cachée c’est de savoir faire du snowboard et du ski.

Cho Seong Il : J’atteins assez bien les notes aiguës. J’ai aussi été athlète de badminton jusqu’au lycée.

Quelle est la chose qui est très différente entre être un trainee et une idole débutante ?

Cho Seong Il : Je pense que notre emploi du temps quotidien a beaucoup changé. Avant, en tant que trainees, nous nous entraînions toujours à l’agence. Maintenant que nous avons fait nos débuts, nous avons tendance à nous entraîner ailleurs. De plus, nous avons plus de temps pour interagir avec nos fans, ce que je trouve génial.

Park Seok Joon : Pour moi, quand j’étais trainee, je n’avais pas la certitude que je ferai mes débuts à coup sûr. Maintenant que nous avons fait nos débuts, je veux montrer une meilleure facette de nous, et cela me motive à bien réussir lors des séances d’entraînement ainsi que lors de l’écriture des paroles.

Kim Do Gyun : Je pense que j’ai pu acquérir de nouvelles expériences, et cela nous a permis de nous rassembler davantage en équipe et d’améliorer notre travail d’équipe.

Qu’est-ce que vous attendez vraiment avec impatience maintenant que vous avez débuté ?

Yoon Ye Chan : Pour moi, ce sont les performances, mais aussi écrire des chansons. Faire des performances devant d’autres personnes, c’est ce que j’attends vraiment avec impatience.

Park Seok Joon : Lorsque nos débuts ont été confirmés, nous avons reçu les chansons de l’album. J’ai vraiment hâte de découvrir les chansons que nous allons interpréter (dans le futur).

Hwang Seong Bin : Je suis vraiment excité d’avoir l’opportunité de collaborer avec d’autres artistes.

Qu’est-ce qui vous a poussé à faire de la musique votre carrière et qu’est-ce qui vous a poussé à décider d’être un idol ?

Yoon Ye Chan : Je ne sais pas si vous le savez mais mon frère est déjà idol et ma famille a une très longue lignée de musiciens. Ma maman était pianiste et elle a travaillé à YG, mon oncle s’est spécialisé dans la guitare, mon autre oncle s’est spécialisé dans la batterie. Donc, toute notre famille travaille ou a travaillé dans l’industrie musicale, j’ai toujours été entouré par la musique. J’ai l’impression d’avoir été naturellement attiré par la musique.

Cho Seong Il : Alors que je réfléchissais au cheminement de carrière que je devrais suivre, j’ai pensé à quel point j’adorais chanter et danser. J’ai décidé de passer une audition et j’ai finalement décroché une place dans l’entreprise, ce qui m’a amené à faire mes débuts en tant qu’idol.

Hwang Seong Bin : Quand j’avais 16 ans, j’étais fasciné par les scènes de Post Malone, ce qui m’a finalement inspiré à prendre le chemin d’une idole. J’ai trouvé du réconfort dans sa musique et cela m’a inspiré à poursuivre une voie d’artiste. J’étais profondément ému et je souhaitais également apporter ce réconfort aux autres.

À quoi ressemble pour vous une présence mondiale majeure ?

Cho Seong Il : Être un « major » signifie pour moi une reconnaissance et une renommée mondiale. Il s’agit d’être si connu que lorsqu’on les questionnent, les gens dans la rue pourraient facilement répondre: « Oui, ils sont 82MAJOR! » De plus, il s’agit d’être un groupe qui inspire les autres.

Kim Do Gyun : « Major » pour moi, c’est être un groupe qui apporte du réconfort aux gens, qu’ils soient tristes ou heureux. Il s’agit d’être une présence constante, de leur apporter un soutien dans leur vie quotidienne.

Nam Seong Mo : Être « major », c’est aussi être une source d’apprentissage et une influence positive pour les autres.

Yoon Ye Chan : Ils ont tous donné des réponses très profondes. Selon moi, ça signifie des salles de spectacles à guichet fermés et faire des tournées. Faire une tournée européenne, une tournée asiatique, une tournée nord-américaine, sud-américaine, océanique. Aller en tournée dans le monde entier.

Quels sont vos objectifs à long terme en tant que groupe ?

Hwang Seong Bin : Avec nous six dans le groupe, je veux laisser une impression durable que 82MAJOR est un groupe cool que d’autres aspirent à devenir.

Yoon Ye Chan : Comme objectif à long terme, j’aimerais ne plus recevoir de démos d’autres producteurs et produire un album entier nous-même. J’espère dans un futur proche. Parce que tout le monde sait écrire des chansons, des mélodies et nous avons deux producteurs, trois bientôt avec Seong Mo. Donc, j’espère qu’on fera un album bientôt.

Kim Do Gyun : Nous voulons également créer une musique qui soit distinctement de notre propre couleur et la présenter au public.

Crédits photo : Great M Entertainment

Certains d’entre vous ont contribué au processus d’écriture des chansons de cet album. Pouvez-vous nous donner un aperçu du processus d’écriture de la chanson et des messages que vous vouliez transmettre à travers les paroles ?

Nam Seong Mo : Quand j’ai entendu pour la première fois la mélodie de « SURE THING », cela m’a apporté un sentiment positif et plein d’espoir. Cela m’a inspiré à écrire des paroles comme si je communiquais directement avec nos fans. En élaborant ces paroles, beaucoup de beaux mots me sont venus à l’esprit. Dans une section mentionnant « une petite luciole », je me souviens avoir été enfant et avoir été témoin d’une luciole, étonné de voir comment quelque chose d’aussi petit pouvait émettre une lumière aussi brillante. Mon objectif était d’être une source de lumière similaire, même si petite, pour nos fans. C’est ainsi que les paroles ont été créées.

Hwang Seong Bin : Lors de la création de « FIRST CLASS », je me suis concentré sur l’aspiration de 82MAJOR à atteindre un statut de première classe à l’avenir. Mon objectif était d’exprimer cette ambition à travers les paroles de la chanson.

Yoon Ye Chan : Quand je travaillais sur “FIRST CLASS” avec Seong Mo, j’ai eu l’impression que c’était très naturel pour nous parce qu’on a confiance dans nos compétences que ça soit l’écriture de paroles ou le rap. Donc quand il était temps d’écrire des paroles comme “You know I’m first class” c’est qui nous sommes et ce dans quoi on excelle. J’ai l’impression que c’était très facile pour nous d’écrire des paroles qui allaient avec la chanson.

Que nous réserve 82MAJOR en 2024 ?

Cho Seong Il : Nous en sommes encore au stade de la planification, mais pour 2024, nous prévoyons de lancer un nouvel album et d’en faire la promotion active. Avec une base de fans solide, nous visons à élargir notre audience, en gagnant plus de fans qui, nous l’espérons, offriront leur amour et leur soutien. Et bien sûr, nous nous préparons à offrir une performance encore plus engageante !

Kim Do Gyun : Nous allons essayer d’aller voir nos fans internationaux en personne !

Si vous deviez choisir 3 mots pour décrire 82MAJOR, qui écoute votre musique pour la première fois ?

Hwang Seong Bin : Puissant, énergique et étonnant.

Kim Do Gyun : Confiance.

Park Seok Joon : O.M.G.

Yoon Ye Chan : Certainement confiance.

Ye Chan, est-ce que ton grand frère (ndlr : Keeho de P1-Harmony) vous a donné des conseils avant de débuter ?

Yoon Ye Chan : Il ne nous a pas vraiment donné de conseils avant, sauf si je lui demandais. Donc, si je lui demandais quelque chose, il me répondait et me donnait des réponses détaillées. Mais, j’ai l’impression qu’il m’a donné plus de conseils après que j’ai débuté.

Quand je suis allé dans une émission musicale pour la première fois il m’a dit “soit rapide, soit toujours prêt, garde tes yeux ouverts, tes oreilles ouvertes, bouge toujours rapidement, soit toujours attentif, ne laisse jamais tomber quand tu es sur scène, fait toujours de ton mieux, travaille le plus dur possible”.

Il me disait de faire attention à ceci et à cela et “ne fait pas ces erreurs que j’ai faites quand j’étais un rookie / débutant”. Après que j’ai débuté, il m’a dit plein de choses parce qu’il n’avait personne pour lui dire quand il a débuté.

Quels sont les charmes de 82MAJOR qui attireront les fans internationaux afin que vous deveniez “major” ?

Yoon Ye Chan : Nos visages et nos musicalités. On fait de la musique pour tout le monde. On fait de la musique unique. “Sure Thing” et “FIRST CLASS” ont deux ambiances différentes donc si vous n’aimez pas “SURE THING”, si vous n’aimez pas ce style alors vous allez apprécier “FIRST CLASS”.
“FIRST CLASS” est plutôt “dure”, alors que “SURE THING” est plus douce.

Park Seok Joon : Notre fan service.
Cho Seong Il : Nos performances.

Avez-vous un message que vous souhaitez laisser à vos fans ?

Hwang Seong Bin : Merci beaucoup de nous soutenir. Vous êtes la raison de notre existence. Nous t’aimons!

Yoon Ye Chan : Je pense que nous partageons tous un esprit et un cœur commun mais on doit faire attention aux fans qui sont dans des pays étrangers, qui ne vivent pas en Corée. Merci beaucoup. On lit tous vos commentaires, nous lisons tout, on regarde toutes les vidéos que vous postez sur TikTok. Donc, ne vous sentez pas exclus, s’il vous plaît. On vous aime aussi.

Park Seok Joon : À nos fans internationaux, j’espère vous voir en personne un jour lors d’une tournée. Nous ferons de notre mieux et essaierons d’y parvenir.

29 novembre 2023
JUKEBOX : Le retour triomphant de VIXX avec « CONTINUUM »

Après 4 ans, VIXX est revenu avec son cinquième mini-album, CONTINUUM. Utilisant le thème général de la « continuité », l’album transmet le message de la croissance à la fois personnelle et musicale de chaque membre, qui à son tour conduit à la croissance globale du groupe.

Il met également en valeur la résilience de VIXX en tant que musiciens, les membres ayant participé à chaque étape de sa création. Les chansons sont remplies d’amour et de gratitude envers leurs fans, STARLIGHT, qui ont attendu longtemps et patiemment leur retour, ainsi que d’excitation de revenir sur scène ensemble.

VIXX

Le boygroup VIXX (Voice, Visual, Value et Excellence) est composé de quatre membres : N, LEO, KEN et HYUK, et produit par Jellyfish Entertainment. Les membres ont été choisis à travers le survival MyDOL, pendant lequel les spectateurs ont pu voter pour leurs candidats préférés. Le groupe a débuté en mai 2012 avec « Super Hero ».

CONTINUUM

Bonjour, voici VIXX, de retour avec notre mini-album CONTINUUM ! Nous voulions remercier les innombrables STARLIGHT qui attendaient notre retour en tant que VIXX depuis 4 ans sans pouvoir se rencontrer via des activités individuelles et des singles numériques.

Grâce à cet album, nous avons pu revenir sur chacun de nos propres chemins, ainsi que sur le chemin que nous avons parcouru en tant que VIXX, alors s’il vous plaît, donnez-lui beaucoup d’amour et d’attention !
LEO, au nom de tous les membres de VIXX

L’album comprend cinq nouvelles chansons. La chanson titre, « Amnesia », a un son basé sur le R&B et met en valeur les charmes individuels et l’identité fondamentale de chaque membre du groupe VIXX.

La chanson « If You Come Tonight » contient des paroles écrites par LEO. C’est une chanson sur combien VIXX chérit ses fans, les STARLIGHT, et comment ils espèrent toujours se souvenir des moments heureux qu’ils partagent.

Les autres morceaux inclus sur l’album sont « Chemical » (paroles écrites par LEO), « LILAC » (paroles et composition de HYUK) et « SAVAGE ».

21 novembre 2023